Cuando el cuerpo cambia, una obra de Maria Clara Figueroa que instala en el abandonado edificio Telecom una línea de óxido al horizonte como recordando la ruta que cruza la miseria y la corrupción en el panorama, una línea que parece no tener fin.
La obra señala el estado del edificio y del sector. En los años 90 este sector fue declarado zona de tolerancia, es decir el lugar donde el trabajo sexual es permitido, tornando así todo el barrio en una zona roja. Con el tiempo, la zona se empezó a marginalizar y se evidenció un proceso de gentrificación del Barrio.
El polvo de óxido se dio como consecuencia del estado de abandono y la inundación de los sótanos, que después de ser bombeada dejó un rastro de óxido que la artista Bogotana utilizó para realizar su obra.
Maria Clara es artista plástica Colombiana, se graduó de Maestra en Bellas Artes en la Fundación Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano, y la pueden encontrar en instagram como @maclafigueroa
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Hybride Identitäten
Identitäten und Integration, Paradoxien der Integration.
Zu den Konzepten, die mehr Probleme mit Migration und Identität erzeugen, gehört das Konzept von Heimat, das Konzept von Home. Wir können argumentieren, dass in einer postmodernen Welt ein veralteter Begriff, ein fertiger Begriff, aber nicht die Identität, die es ist, ist Zweifellos eine grundlegende Frage der postmodernen Kultur ist die Identität in der Krise. Und das führt zu sogenannten hybriden Identitäten. Damit der Migrant seine alte Identität mit der neuen verhandeln kann, die er in einem neuen Kontext erwirbt, wird er zu einer ständigen Frage und zu einer permanenten Schwierigkeit, nicht nur, wenn die Sprache ein Hindernis ist, auch wenn die Hindernisse kulturell sind. wie Religion, Bildung, Sexualität und politische Offenheit.
Wir haben also einen polyphonen Kontext, einen Kontext, in dem neue und sich verändernde Identitäten miteinander verhandeln, sich ändern, Dialog und Kommunikation führen. Dieser Babelic * -Kontext erzeugt auch Brüche, Grenzen zwischen Identitäten, aber auch neue Identitäten. In einem freien Kulturmarkt stellen sich komplexe Fragen nach der Rolle des Staates in dieser neuen Welt der Hybridkulturen. Was ist es, wenn wir es sehen wollen, die Realität eines Einwanderers aus Marokko, der in einer Ecke des Gorlitzer Parks in Berlin Drogen verkauft, im Vergleich zu der Realität eines rumänischen Mädchens, das sich in einer dunklen Straße in Schönberg prostituiert. Alle Migrationen treffen sich in der großen modernen Metropole. Wir haben Künstler wie Nicolas Jaar, der chilenische Protestlieder mit Beats aus den New Yorker Subkulturen mischt, um in elektronischen Konzerten privilegierter Milieus aus New York, London oder Berlin zu produzieren. Wir haben den Komponisten Quantic, der traditionelle südamerikanische Musik auf ethnographische Weise sammelt. Gleichzeitig haben wir neue politische Bewegungen und Performances, die den traditionellen politischen Bewegungen widersprechen. Ein Beispiel dafür sind die (weißen) Künstler von JOGIDA in Deutschland, die gegen faschistische Parodien gegen PEGIDA. Wir leben in einer Zeit tiefgreifender Veränderungen und subtiler Unterschiede, die unsere Sichtweise der Welt und unseres Selbst völlig verändern werden
Um diese Ideen in Frage zu stellen, wollte ich mehrere Personen aus verschiedenen Milieus und sozialen Kontexten befragen und sie mit Fragen zu Migration und Identität konfrontieren:
Name: Adisa
Alter: 18
Land: Marokko
Beruf: Drogendealer
-Was ist für dich zu Hause?
Zuhause ist Musik, mein Zuhause war Marokko, aber jetzt ist Berlin, die Straßen sind mein Zuhause.
- Würden Sie nach Marokko zurückkehren?
Nein, ich vermisse meine Brüder und meine Mutter, aber ich würde nicht zurückkehren. - Was ist dir fremd in deinem Land?
Nicht viel, etwas zu essen, aber es ist dasselbe, hier habe ich meine Musik, ich habe Freunde, es ist kalt, aber es ist besser. - Was macht deine Arbeit am meisten Spaß?
Ich habe keinen Chef, niemand sagt mir, was ich tun soll.
-Was macht weniger Spaß?
Polizei - Wenn Sie hierher zurückkommen könnten, würden Sie kommen?
Ja.
Name: Maria
Alter: 21
Land: Rumänien
Beruf: Sexueller Arbeiter.
-Was ist für dich zu Hause?
Das Zuhause, meine Familie, meine Familie in Bukarest, ist das, was ich nicht habe.
- Würden Sie nach Rumänien zurückkehren?
Ja, ich würde zurückkehren, wenn ich könnte. - Was ist dir fremd in deinem Land?
Alles
-Was ist alles?
Leute, Sprache, Essen, meine Freunde
-Wenn Sie nach Berlin zurückkehren könnten, würden Sie kommen?
Ja. - Was macht deine Arbeit am meisten Spaß?
Ich stehe nicht gerne früh auf (lacht). - Was macht am wenigsten Spaß?
Einige Kunden.
Name: Mareen
Alter: 22
Land: Deutschland
Beruf: Student und Barkeeper.
-Was ist für dich zu Hause?
Hamburg
-Was heißt deutsch Sein?
Es ist ein Problem, ich weiß nicht, was deutsch sein soll.
- fühlst du dich deutsch zu Sein?
Ich fühle mich deutsch, wenn sie mich deutsch nennen. Ich fühle mich nur außerhalb Deutschlands deutsch. - Was macht deine Arbeit am meisten Spaß?
Ich bereite gerne Kaffee zu, es gibt neue Leute
-Was macht weniger Spaß?
Kunden und viele Dinge zu tun.
Name: Luise
Alter: 25
Land: Deutschland
Beruf: Übersetzer für wichtigen Verlag.
-Was ist für dich zu Hause?
Eine alte Wohnung in Berlin
-Was heißt deutsch zu sein?
Es bedeutet politische Geschichte, Familiengeschichte und Sprache.
- fühlst du dich deutsch?
Ja. - Was macht deine Arbeit am meisten Spaß?
Ich arbeite daran, was mir gefällt.
-Was macht weniger Spaß?
Einige Autoren und Redakteure, aber im Allgemeinen ist es in Ordnung
Name: Catalina
Alter: 28
Coutnry: Kolumbien
Beruf: Forscher
-Was ist für dich zu Hause?
Heimat ist Kolumbien, eine Stadt an den Hängen eines Berges.
- Würden Sie wiederkommen?
Nein, vielleicht habe ich manchmal das Gefühl, ich möchte zurückgehen, aber ich würde nicht zurückgehen. - Was ist dir fremd in deinem Land?
Das Wetter, das Essen, die Leute. - Was macht deine Arbeit am meisten Spaß?
Ich liebe Geschichte, ich arbeite mit ihr in meiner Arbeit, jeden Tag untersuche ich die Geschichte.
-Was macht weniger Spaß?
Einsamkeit. - Wenn Sie zurückkommen könnten, würden Sie kommen?
Ja.
Name: Tovani
Alter: 32
Land: Deutschland
Beruf: Musiker
-Was ist für dich zu Hause?
Zuhause ist meine Wohnung, mein Klavier und meine Musik.
- Was macht deine Arbeit am meisten Spaß?
Ich arbeite mit Kindern, jeden Tag bringen sie mir Neues bei, es ist erstaunlich, mit Kindern zu arbeiten.
-Was macht weniger Spaß?
Manchmal sind sie laut und zu verrückt
Aber auch in einer Zeit des transatlantischen Reisens, des direkten Reisens zwischen Großstädten der Welt und der ständigen Kommunikation sehen wir die Welt voll von zunehmend unwahrscheinlichen Dialogen. Ich möchte unsere allgemeine Einstellung zur Identität in Frage stellen und zeigen, dass die Problematisierung der Identität vielleicht der kohärenteste Weg ist, wenn eine Frage keine Gruppenantwort hat, die keine kollektive Erzählung impliziert. Die Identität ist eindeutig die Art und Weise, wie wir unseren Weg des Seins in der Welt aufbauen, aber diese Art zu sein wird durch geographische Faktoren, Hautton und Physiognomie, Akzent und ethnische Herkunft vermittelt. Der Mangel an Identität ist vielleicht die richtige Natur in der Postmoderne, und vielleicht kann dies für soziale Ökosysteme eine gesunde Sache sein, der Mangel an Identität impliziert Freiheit, freien Willen und Spiel. Das ist faszinierend im Kontext dessen, was ich die hybriden Identitäten nenne, wir sind, was wir wählen und wir hören auf zu sein, wenn wir auf etwas verzichten. Die Wahlfreiheit und der Verzicht auf Verzicht sind Teil dieser postmodernen Gesellschaft, es ist wahr, dass diese Grenzen durch Mode und Massenkultur vermittelt werden, aber es wurde auch deutlich, wie die Massenkultur durch Entscheidungen beeinflusst wurde. Einzelpersonen und Subkulturen im Westen Die heutige Modekultur nutzt alle Elemente von Subkulturen aus anderen Jahrzehnten. Defekte Jeans, eigenständige Marken, Vintage-Konzept, grüne Haltungen. Mode will heutzutage in ihren Botschaften verkaufen; Freiheit, Unabhängigkeit, Ideen und das, weil Mode und Massenkultur den ideologischen Kampf verloren haben und sich an einen neuen ästhetischen und politischen Zeitgeist anpassen müssen.
Aber die Idee von Nation? Was passiert mit der Idee einer Nation im Zusammenhang mit dem Identitätsverlust?
Heute, in einem Kontext, in dem die Identität des Volkes an Form verliert und tausend verschiedene Formen annimmt, ist klar, wie die Idee einer Nation mit dem Tod bedroht ist. In einer Welt der Gleichberechtigung und der Welt machen Nationen keinen Sinn Respekt für diese freie Wahl in einer Welt des freien Verkehrs, der informatischen Freiheit, der Überschreitung realer und konzeptueller Grenzen. Wenn Identität frei ist, müssen alle Nationalismen sterben.
Die Nationen wurden in Kriegszeiten, aus gewalttätiger Fremdenfeindlichkeit geschaffen, die alten Griechen hatten beispielsweise eine Idee der Staatsbürgerschaft und die Polis (Stadt) absolut fremdenfeindlich. Wir müssen diese Träume der Identität, dieses Verlangen nach Identifikation übertreten, wir könnten vielleicht sagen, dass wir mit den Worten von Miguel de Unamuno spielen: * Alle Träume der Nation erzeugen Monster. Identität ist Suche und keine Begegnung, Transgression, queere Kultur, Polyamorie. Alle diese Phänomene sind Kinder aus diesem Territorium, die als Identität bezeichnet werden.
Obwohl es sich um ein komplexes Gebiet handelt, handelt es sich um ein umstrittenes Gebiet, um ein Gebiet, in dem es um Identität geht. Diese Konflikte, die für uns natürlich sind, führen zu Regulierungsmodellen. Was reguliert den kulturellen und sozialen Austausch heute? Ungleichheit, wirtschaftliche, kulturelle Einschränkungen.
Was sollte die Rolle des Staates im Kontext neuer Identitäten sein? Ich befürworte neugierig einen Verzicht auf den Staat. Der Staat muss den Staat aufgeben und muss immer größere Freiheit lassen, damit sich das Volk seine eigene Identität frei entfalten kann.
In einem Interview über Emil Nolde und seine Beziehung zum Nationalsozialismus entsteht zwischen einem Kurator und einem Journalisten folgender Dialog:
“Ellmenreich: Würden Sie Angela Merkel empfehlen, diese Bilder aufzuhängen?
Krämer: Ich denke, die Frage ist legitim. Ich möchte das nicht verwechseln. Ich denke, es ist wichtig, dass die Bilder in Museen hängen und dass wir auch diesen Teil unserer Geschichte wahrnehmen. Ich stelle mir jedoch vor, wenn Sie Vertreter aus dem Ausland empfangen, manchmal aus Ländern, in denen Deutschland gewütet hat, und dann sitzen Sie unter einem Bild eines überzeugten Nazis – ich bin nicht sicher, dass dies die richtige Wahl ist.
Ellmenreich: frage ich nochmal anders. Hängt Angela Merkels Büro jetzt NS-Kunst oder die Kunst eines Nazis? “
Die Frage ist natürlich, welche Rolle der Staat in Bezug auf Kunst, die Identität des Einzelnen und den Staat selbst spielen sollte, ob der Staat oder die Kunst derjenige ist, der in dieser Diskussion eine entscheidende Rolle spielen sollte.
Einer der Gründe, an diesem Dialog teilzunehmen, dieser offene Text, den ich vorschlage, ist die genaue Reflexion, dass es keine perfekte Antwort auf Identität gibt und auch nicht geben sollte. Identität ist etwas, das wir problematisieren müssen, um zu studieren. Identität wird immer sein eine Frage, niemals eine Antwort.
Identität ist Suche und keine Begegnung, Transgression, queere Kultur, Polyamorie. Alle diese Phänomene sind Kinder aus diesem Territorium, die als Identität bezeichnet werden.
Obwohl es sich um ein komplexes Gebiet handelt, handelt es sich um ein umstrittenes Gebiet, um ein Gebiet, in dem es um Identität geht. Diese Konflikte, die für uns natürlich sind, führen zu Regulierungsmodellen. Was reguliert den kulturellen und sozialen Austausch heute? Ungleichheit, wirtschaftliche, kulturelle Einschränkungen.
Was sollte die Rolle des Staates im Kontext neuer Identitäten sein? Ich befürworte neugierig einen Verzicht auf den Staat. Der Staat muss den Staat aufgeben und muss immer größere Freiheit lassen, damit sich das Volk seine eigene Identität frei entfalten kann.
In einem Interview über Emil Nolde und seine Beziehung zum Nationalsozialismus entsteht zwischen einem Kurator und einem Journalisten folgender Dialog:
“Ellmenreich: Würden Sie Angela Merkel empfehlen, diese Bilder aufzuhängen?
Krämer: Ich denke, die Frage ist legitim. Ich möchte das nicht verwechseln. Ich denke, es ist wichtig, dass die Bilder in Museen hängen und dass wir auch diesen Teil unserer Geschichte wahrnehmen. Ich stelle mir jedoch vor, wenn Sie Vertreter aus dem Ausland empfangen, manchmal aus Ländern, in denen Deutschland gewütet hat, und dann sitzen Sie unter einem Bild eines überzeugten Nazis – ich bin nicht sicher, dass dies die richtige Wahl ist.
Ellmenreich: frage ich nochmal anders. Hängt Angela Merkels Büro jetzt NS-Kunst oder die Kunst eines Nazis? “
Die Frage ist natürlich, welche Rolle der Staat in Bezug auf Kunst, die Identität des Einzelnen und den Staat selbst spielen sollte, ob der Staat oder die Kunst derjenige ist, der in dieser Diskussion eine entscheidende Rolle spielen sollte.
Einer der Gründe, an diesem Dialog teilzunehmen, dieser offene Text, den ich vorschlage, ist die genaue Reflexion, dass es keine perfekte Antwort auf Identität gibt und auch nicht geben sollte. Identität ist etwas, das wir problematisieren müssen, um zu studieren. Identität wird immer sein eine Frage, niemals eine Antwort.
PS: Ich habe ein Bild gewählt, das meine eigene Identitätsüberschreitung zwischen Macondo und Europa darstellt, der Name einer imaginären Stadt von Gabriel Garcia Marquez, ein Name, der für Kolumbianer mit Kolumbien ein Synonym geworden ist und eine historische und politische Kraft in Kolumbien hat, diese imaginäre Stadt entstand aus diesem Roman One Hundred Years Solitude. Zur gleichen Zeit ist Macondo eine Bar in Berlin, die all diese Geschichten nicht kennt, es ist keine kolumbianische Bar und die, die arbeiten, sind auch keine Kolumbianer. Auf der anderen Seite ist Europa für mich alles, was Europa träumt.
Diego Aretz
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En días pasados fuimos a la galería “El Dorado” e hicimos una entrevista a Valentina Gutierrez, directora de la galería. Además del recorrido, apreciamos las obras recientes y de colección permanente. Este es el contenido, en el que abordamos temas como la trayectoria, la incursión en el panorama artístico latinoamericano y el gusto que impulsa al coleccionista. Aquí su contenido.
Interference Channel (IC):
Hablemos del recorrido de “El Dorado”, de cómo nació la idea de esta galería. Estuve haciendo una revisión previa sobre ustedes y veía que tu interés en un principio era coleccionar y luego en algún momento surgió este espacio de El Dorado entonces quería saber ¿Qué lo motivó?, qué fue el antes, el ahora y el después de El Dorado. ¿Qué tipo de proyectos se tienen?
Valentina Gutierrez (VG):
Este edificio físico se empezó a construir con la intención de ser un espacio para proyectos relacionados con la colección del proyecto “Bachué”. En ese proceso estábamos editando un libro que se llama: Autorretrato disfrazado de artistas, es sobre arte conceptual y fotografía en los setentas, una investigación de Santiago Rueda Fajardo. Y es una investigación muy apasionante porque muestra muy bien ese momento que sale un poco del paradigma de que el arte colombiano siempre ha estado 30 años atrás. ¿No?, es un momento en el que se pueden ver paralelos con toda América Latina y con artistas en Alemania, en Londres, en Estados Unidos, en Bolonia, como que era un momento del auge del arte conceptual, de la acción, del arte correo, entonces todo eso se ve en Autorretrato. Pero lo que fue muy fuerte para mí fue ver que esos artistas que hacían parte de esto no estaban bien representados en las colecciones ni en la historia de Colombia. Siempre se habían dejado de lado. Entonces yo, en una reacción un poco adolescente le dije a mi papá que yo sentía que lo que él estaba haciendo era construyéndose un monumento al ego, a su buen ojo, que es lo que le interesa a los coleccionistas; es decir, a los coleccionistas les gusta mostrar su visión. Hoy en día no creo que sea ego, creo que es una propuesta como muy intelectual pero en el momento no lo vi así y sentía que en lugar de llorar sobre la leche derramada, es decir, de pensar, ya estos se murieron sin reconocimiento o pasaron; Creí que era importante apoyar artistas vivos y evitar esos olvidos en el presente. Él me dijo que estaba de acuerdo pero no quería gestionar una galería entonces si yo me iba a dar a esa tarea pues que, adelante que el proyecto era mío.
Entonces, con mucha ingenuidad comencé. La primera exposición la hicimos incluso antes de construir, era solamente el lote, entonces hicimos una intervención muy interesante que funcionó para empezar la conversaciones con los vecinos del barrio. Para nosotros era muy importante estar en el barrio La Macarena porque es un barrio históricamente relacionado al arte, es un barrio en el que viven intelectuales, artistas, que está muy cerca de las universidades, entonces eso para nosotros era muy importante, relacionarnos con ese entorno inmediato. Entonces yo atendía la exposición personalmente y finalmente lo que entraban eran vecinos curiosos. El primer día de la inauguración si vino como todo el mundo del arte pero después de eso era todo como para los vecinos. Eso me ayudó a entender el barrio en el que estábamos, entender quiénes eran nuestros vecinos, un poco entender la dinámica, a darme cuenta que en La Macarena vive gente increíble, apasionante, realmente entonces reforzar esa idea que este era el lugar en el que queríamos estar. Luego, este edificio lo inauguramos con Leonel Castañeda en el 2015 con un proyecto que se llama el cuerpo de adentro y en 2016, en el 2015 inauguramos pero como precariamente en el otro espacio y en 2016 aquí ya con Leonel que fue un proyecto que marcó la pauta de lo que fueron los dos años de El Dorado, que era que todo el edificio está concebido para que cada piso sea diferente y la idea ahí era que un solo artista tenía que intervenir los tres. Entonces Leonel hizo esa labor increíble, luego de él vinieron una serie de artistas que también lo hicieron y la verdad eran proyectos que la idea era como que hicieran homenaje al nombre de El Dorado en el sentido de que el Dorado era una ciudad mítica, es esa ciudad de oro, es ese deseo europeo personificado en una ciudad latinoamericana y aunque nunca existió su leyenda fue suficientemente potente para catalizar los procesos de descubrimiento y conquista y crearnos a nosotros; porque finalmente la existencia de este continente y las ciudades que existen tuvieron su fundamento y creación bajo esta leyenda y esto eran con la estrategia para llegar al dorado. Entonces era, se invitaba a hacer proyectos aparentemente imposibles en diálogo con una persona que venía de una disciplina diferente y bueno, hicimos cosas muy chéveres.
Actualmente, hace un año empezamos a ir a ferias internacionales y eso pues fue muy bueno pues empezó a dinamizar la parte económica que había estado un poco lenta al comienzo, ya en este momento pues ya se mueve, pero ir a las ferias también nos abrió un poco el panorama internacional, nos mostró que aunque El Dorado es un proyecto que aquí a veces no se entiende porque somos un proyecto que nos proclamamos independientes pero vendemos entonces la gente no entiende eso. En cambio en el resto del mundo este modelo híbrido existe y entender que la independencia es tener la plata para hacer lo que uno quiera es algo que está aceptado. Entonces para mí fue muy importante empezar a conocer personas con proyectos y preguntas similares a las que nosotros teníamos y eso le fue dando más fuerza al proyecto aparte del dinamismo de las ventas. Un nivel intelectual, también fue muy importante salir y conocer artistas muy interesantes porque a uno finalmente le llegan las noticias es como de los grandes artistas de otros países pero conocer gente que está emergiendo igual que uno pues por internet es imposible. Entonces poder conocerlos directamente pues empezó a inspirar mucho más al Dorado. Actualmente estamos representando a un grupo de artistas muy diverso e interesante, para nosotros era muy importante que hubiera una representación de mujeres que sentimos que están sub representadas en nuestra escena y de artistas que no vinieran de Bogotá. Actualmente estamos en diversificar en ese aspecto pero trabajamos con artistas en el Cauca, en Medellín y en el Norte de Santander. Entonces tenemos artistas que son, una del Valle pero que vive en Holanda y uno bogotano que vive en Berlín, la idea es mostrar artistas que vienen desde lugares muy diferentes pero que tienen una práctica constante y comprometida y que son personas muy profesionales, personas que en su forma, para nosotros es muy importante el trato y el lado humano de los artistas con los que trabajamos. Ellos de alguna manera representan una serie de nuevos valores de lo que se ve en el arte, son personas que si bien están muy comprometidas con su carrera no creen que el éxito existe sino que creen que hay que trabajar en redes y son capaces de trabajar en grupo y entenderse con los demás artistas en la galería.
Para incentivar eso cambiamos la modalidad de exhibiciones individuales, la primera en la nueva modalidad es esta, que tenemos que son dos artistas los de la galería en diálogo entre ellos. Son artistas que no se conocían, no es como que sean los mejores amigos de la universidad que hacen un proyecto no; son artistas que vienen a conocerse de una manera profesional, a entender la obra del otro y a que juntos creemos un diálogo entre esos proyectos, y eso pues ha sido muy bueno porque funciona como dos individuales porque ninguno se tiene que acomodar al otro, son procesos aparte, de curadores aparte, pero a la hora de instalar sí tiene que haber un diálogo. Entonces ha sido muy bueno incluso en términos como energéticos porque se ha sincronizado mucho más el equipo de la galería con los artistas que representamos y los artistas entre ellos. Empiezan a tener curiosidad por lo que hace el otro.
IC:
¿Qué tipo de ganancias o qué tipo de enseñanzas había traído para El Dorado y para ti como persona y como equipo de trabajo participar en otras exposiciones sobre todo a nivel latinoamericano que es lo que he podido estar viendo?.
VG:
Pues eso ha sido muy interesante porque nos ha demostrado que la única forma de que esto sea sostenible y que vaya a ser un proyecto que perdure en el tiempo es trabajando en red y ver la generosidad de las personas en otras partes del mundo, lo receptivos que son a nuestro proyecto eso también ha sido como un gran impulso. Una exposición que fue fundamental para el replanteamiento de la galería se llama: El tiempo del fin y la hicimos en el instituto cultural peruano – norteamericano en Miraflores, en Perú y esa fue una invitación que nos hizo el director y fue muy interesante porque a uno usualmente le llegan invitaciones para un artista o un grupo de artistas y esta fue una invitación a la galería; y él lo que quería era entender qué es El Dorado. Entonces en la escritura de ese texto, en los diálogos con el equipo allá, fuimos teniendo que darle la vuelta a lo que era el proyecto hasta llegar a una definición con la que nos sintiéramos cómodos. Esta fue que la mostramos como en febrero de este año, eso yo creo que fue un punto de quiebre super, super fuerte.
Otra enseñanza ha sido que es muy difícil entonces hay que buscar artistas que estén dispuestos a apostarle con uno y que le crean a uno. Que no lo vean como un paso para algo sino que se sientan parte de ese sueño.
IC:
Que se sincronicen con esa idea que tú tienes.
VG:
Exacto, y que ellos vean qué es lo que ellos aportan. Entonces eso nos ha llevado a trabajar con artistas que se reconocen como humanos antes que artistas, y que ven qué facultades pueden traer en eso y personas absolutamente generosas, entonces eso ha sido otra enseñanza que solo, la galería solo como ente autoritario no funciona; que la galería puede funcionar en red con sus artistas en donde todos aportamos, todos somos generosos con los proyectos de los demás más a un estilo a una cooperativa que otra cosa y con la generosidad del entorno.
IC:
Ahora estoy leyendo un libro que habla precisamente de eso, que cuando uno tiene un proyecto, ese proyecto debe nacer de lo más interior de uno para que sea exitoso, para que genere ese alcance, porque cuando no hay comunión entre las personas no se puede trascender ni se puede llegar donde uno quiere. Y me parece muy curioso ver cómo ese autoconcepto que tengo del arte, que es la comunión entre lo que quiero transmitir, entre mi esencia frente a las realidades de otros encaja adecuadamente con cómo percibo el mundo y sus realidades. Eso, desde mi punto de vista, ha sido lo fantástico del arte y lo que a mí me mueve.
VG:
Te voy a interrumpir un segundo. Yo siento que ahí te falta la mitad y es que una cosa es lo que el artista quiere comunicar y también la apertura que tiene a como los demás lo reciben, un artista hoy no puede ser impositivo y no puede pretender que su obra sea entendida tal cual como él se la imaginó. Un gran artista es aquel que sabe ver cómo lo recibe la gente e incorporarlo dentro de su proceso, entonces es una persona que sabe ver al otro y que reconoce al otro como un ser humano inteligente y propositivo. Eso para mí es lo que es el arte hoy, esa comunicación.
IC:
Ok, qué bien. De este año, de lo corrido de este año que veo que han pasado cosas muy interesantes, ¿Qué artista te ha llamado la atención o qué artistas sientes en este momento que están siendo representativos?
VG:
¿En Colombia?
IC:
Si, sobre todo en Bogotá que es nuestro entorno más próximo; pero si, en Colombia.
VG:
Listo, pues, yo me di cuenta de que evidentemente hay muchos artistas increíbles que se están graduando, que están empezando a presentarse, entonces por eso tomamos la decisión de hacer, junto con José Jiménez que trabaja aquí conmigo en la galería un proyecto que se llama: “En blanco”, que es una convocatoria abierta, la única que tenemos en la galería para artistas que nunca han tenido una exhibición individual o bueno; no está limitada sólo a artistas, también si un fotógrafo de moda quisiera, o un diseñador quisiera mostrar cosas puede hacerlo, pero formado como un proyecto, tendría que ser … bueno. En este caso sólo nos llegaron propuestas de arte, pero es una convocatoria abierta. Las personas que quieran mostrar un proyecto en la galería, viniendo de cualquier disciplina, no tienen que haberse graduado de nada, la única condición es que no pueden tener una colección individual. Y la primera persona que quedó seleccionada para esto se llama Nataly Guío, es fotógrafa y realmente me impresionó porque es una persona que no viene de la formación artística tradicional, pero que tiene una sensibilidad impresionante y una forma de ver el mundo muy poética, entonces decidimos empezar a trabajar con ella a partir de el proyecto tan bien armado que hizo para “En Blanco” entonces con ella vamos a estar en ArtBo; con ella y otros artistas de la galería, pero sí, ella es alguien que no conocía y que me ha sorprendido muchísimo este año.
IC:
Que bien. Otra cosa que quería preguntar es, tu interés por el arte nació desde la colección, desde ese interés del coleccionista; yo querría ahondar un poquito en ese aspecto. ¿Qué motiva al coleccionista para adquirir arte y para mover el sector?
VG:
Pues, la razón por la que El Dorado es una galería es porque yo siento que los coleccionistas son fundamentales para el crecimiento de los proyectos, no solamente porque son los que “mantienen con gasolina” este mundo sino, porque son personas que le dan otro tipo de apreciación y de valor a las obras de arte, entonces; cada coleccionista es un universo, es imposible reducirlos. Como galerista, uno de los privilegios es que uno puede llegar a conocer cómo piensan las personas y qué tipo de cosas los mueven y qué tipo de cosas hacen parte de su colección, entonces se vuelve un contacto muy lindo y una forma de comunicarse con ellos muy especial, porque son personas que de alguna manera necesitan estos objetos o estas imágenes para articular ideas o para pensar. Es muy difícil decir como que, tiene que haber como una comunión, ¿No?; como que el coleccionista tenga un interés y que la obra o responda, o cuestione o haga eco a lo que a ellos les interesa.
IC:
Bueno, pues ya saliéndonos un poquito del tema, yo digo que es paralelo. Además de esa sensibilidad por la imagen, he notado que muchos artistas tienen un gusto por otro tipo de tendencia artística. ¿En tu caso se presenta, de pronto, alguna otra manifestación además de la imagen y del arte contemporáneo como tal?
VG:
Bueno, a mí me gusta mucho leer, ficción y poesía. Yo creo que esa es como mi otra sensibilidad.
IC:
Valentina, pues muchas gracias por la entrevista y genial el recorrido a la galería. Felicitaciones.
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Carolina Ponce de León fue directora de artes plásticas de la Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República entre 1984 y 1994, donde impulsó la divulgación de artistas nacionales de gran trayectoria. Ha trabajado de la mano de instituciones internacionales como el National Endowment for the Arts en Washington, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts en Nueva York, y el Creative Work Fund en San Francisco, entre otros. Además, fue profesora en los programas de posgrado de Crítica Visual y Estudios Curatoriales del California College of the Arts en San Francisco entre 2004 y 2006.
Estuvo radicada en los Estados Unidos desde 1995, en donde trabajó como curadora del Museo del Barrio en Nueva York y fue directora de la Galería de la Raza en San Francisco. En 2014 trabajó como asesora de artes visuales del Ministerio de Cultura. Ha escrito varios ensayos y libros sobre arte contemporáneo que han sido divulgados a nivel nacional e internacional en publicaciones como el MIT Press (Reino Unido), INIVA (Reino Unido), el New Museum of Contemporary Art (EE.UU.), Art in America (EE.UU.), Art Nexus (Colombia), L’Officiel-Art (Francia) y Parkett (Suiza).
Entrevista con Diego Aretz
https://www.facebook.com/contravia.tv/videos/329808424462207/
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Decidimos hablar de educación en esta edición y para hacerlo no pensé en un mejor artista que Andrés Felipe Uribe, en su obra Andrés ha trabajado con seriedad y destreza dos temas que nos son pertinentes, la comunicación y la educación, declarado crítico del statu quo y el establecimiento en la comunicación y las artes visuales, Andrés habla en entrevista sobre su obra, la educación y la comunicación en las artes, y la invitación a ser portada de Interference Channel.
Tenemos también una entrevista con uno de los espacios más importantes de artes visuales de la ciudad Espacio El Dorado, Valentina Gutierrez nos habló de su espacio que ha tenido como misión desarrollar lazos entre países Andinos y de alguna manera poner en tela de juicio la geopolitica local, tradicionalmente enfocada en los Estados Unidos y Europa, de las artes visuales.
Hablando en literatura publicamos una entrevista con el escritor Juan Gabriel Vásquez, sobre la idea y el origen de la novela y el presente de la literatura. Así mismo Nicolás Ureta nos ilustra el poder futurista de Fellini con su texto Frivolidad y Tormento en la Dolce Vita de Fellini.
Acompañando la crisis actual de la educación pública en el país invitamos a Jennifer Pedraza en alianza con Contravia, para hablar del Paro Estudiantil. Quisimos también hablar con la curadora de Arte Camara de este año, Carolina Ponce de León, Carolina ha tratado en esta versión de ArtBO de poner al revés la in-equidad de género y de darle una preponderancia a mujeres artistas.
Como contraportada estará un barrio del Sur Oriente de Bogotá, llamado San German. Un barrio en las inmediaciones del parque Entre Nubes, un barrio que encierra una comunidad de la periferia, a la deriva del tiempo y el Estado, cortesía del colectivo periodístico Por la Frontiere.
No podría terminar sin señalar que el Espacio Odeon ha pasado a significar la vanguardia de las artes visuales en Bogotá y un espacio privado pensado para pensar y criticar el medio, los medios y nuestra cultura visual. Trabajos de alta calidad artística, curadurías impecables, diálogos geo-transversales y una visión amplia de lo público y de los usos del espacio lo hacen uno de los mejores lugares para pensar y entender las artes visuales en Colombia
La educación está en crisis, el concepto de lo público está en crisis, desde las artes visuales y la cultura, que cubrimos en IC pensamos que problematizar la cultura es un camino pertinente en el momento social y político que vivimos, son las audacias del humanismo las que nos permitirán salir adelante en medio de fascismos contemporáneos y presentes inciertos de posverdad.
Diego Aretz
Editor y fundador.
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Foto por Javier Vanegas
Andrés Felipe Uribe Cárdenas es el artista seleccionado para ser la nueva portada de IC, hablamos con él sobre su trabajo, su trayectoria y el mundo del arte.
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¿Cuándo y por qué se interesa Ud en la comunicación? Ud es un artista plástico, no un comunicador, no un periodista.
Me intereso en la comunicación cuando efectivamente existe. Cosa que hoy sin duda es un tema urgente. Comunicar acertadamente es en tarea difícil. Pensar que estamos en contacto unos con otros es caer en una falacia tecnocrática. La mayor parte del tiempo estamos atomizados, cada uno enredado con su propio dispositivo. Me intereso porque creo que es el lugar intermedio, por no decir el medio originario, el agua de los peces, el aire que respira la información. Teóricamente me interesa desde la semiótica, ese lugar interior de la lengua me interesa, es allí donde todos quedamos reducidos a una cualidad humana simple y compleja al mismo tiempo; reducidos a signos no podemos no ser parte de una comunicación, ni podemos no ser comunicados, ni es posible no comunicar.
Soy un artista plástico de esos que van por ahí, claro, pero también uno visual; extraigo ojos de la revista vea y los ensarto en un picahielos de esos para compilar facturas. ¿Un comunicador? Es posible. Habría que ser un verdadero excéntrico para no serlo actualmente, quiero decir que todos estamos ejerciendo la mensajería constantemente, unos con más o menos arte, otros con más o menos técnica.
¿Un periodista? Periódicamente sí, podría serlo. Pero desmediado, a veces desmedido, y más que nada a medias.
Lo hemos visto desde IC pasar por distintas etapas. ¿Cuál es si tuviera que decirlo el elemento que marca su obra de una manera más fuerte?.
¿No querrá usted decir desde las TIC? Ja ja, vea que estoy de buen humor. Pues el elemento que marca de manera más fuerte es el marcador de tinta Molotov permanente, pero no sé si marque mi obra entera. Ese lo usan más que todo los artistas urbanos, los artistas de letrina. El marcador me interesa porque me interesa la marca, es decir porque me interesa el índice, el signo que se refiere a la existencia de una cosa en relación, en consecuencia, a otra. Seriamente: ¿El elemento que marca mi obra? Qué le puedo decir… A mí me marcó mucho el discurso de pasión local de primera década, pero no quiero que eso me marque más, digamos que me dejó una cicatriz. Esto para decir que desde luego estoy marcado por un dolor cristiano insufrible 
pero tampoco quiero que eso me marque más, sobre todo que marque mi obrar, aunque uno no puede librarse de eso, así como así, como yendo a clases de yoga. No lo sé. Qué vaina que tengamos que hablar de lo más fuerte, de la fuerza, aunque me gusta mucho la noción de fuerza en Yoda, y hace parte integral de mi alienación. No tanto de mi obrar. Textualmente creo que el elemento que marca mi obrar es el grama, la gramática (y la gramatología a veces).
Pero hay elementos que marcan de manera menos fuerte y sin embargo aparecen. Vea usted que yo aprendí matemáticas de manera muy regular, quiero decir, muy forzado, muy errático. Lo que más obtuve aprendiendo matemáticas fueron errores, cosa que me preocupó apenas lo necesario. Pero vea que ahora los números aparecen de nuevo. Por ahí están, están por todas partes y nunca se detienen. Hay una parte en mi trabajo que pareciera un discurso numérico. No lo sé. Uno aprende a contar casi al tiempo que aprende a escribir, ¿no es así? Pero, primero se aprende a escribir, primero van las letras, ¿no? Ya no recuerdo qué aprendí primero, si los números o las letras o los colores, pero creo que lo que más me ha marcado en mi vida entera, no solo en mi obra, es haber aprendido a escribir.
Ha sido a veces crítico del medio si se puede llamarlo así, de arte contemporáneo en Colombia. ¿Qué elementos encuentro cuestionables en ese ambiente?-
¿Qué elementos encuentro yo cuestionables en ese ambiente? A ver. Haber sido crítico del medio, ¿Qué quiere decir con eso? ¿Estamos hablando del medio artístico? ¿Es el medio artístico el aceite de linaza y la trementina? ¿O el aguardiente, el wiski y la cocaína? Porque hay cosas más críticas que otras, ¿Sabe? Listo, yo a veces escribo crítica y apreciación de arte, a veces. Son críticas líricas e intento no esforzarme tanto en ellas. De repente salen publicadas por ahí en alguna red y resulta que luego me llaman la atención, no sé.
¿Elementos cuestionables del medio artístico? Definan ustedes la palabra medio primero, o por lo menos, ya que ustedes viven en esto, no la usen, así como así. Bueno, úsenla como quieran, pero piénsenla también. Creo que en Colombia tenemos un vacío, un abismo en tanto la noción de medio, que nos hace cacarearla sin entenderla constantemente. Escuche usted noticias, o léalas, la gente habla de los medios y de los medios y que los medios dijeron y que no dijeron. Eso me parece cuestionable. También me parece cuestionable la farándula que habita ese sistema imaginario, esa fauna que vive ensalzándose a sí misma ejerciendo el poder de la opinión y de la imagen masiva, y aquí, usted lo sabe, la gente se arrodilla frente a las imágenes. Volviendo a su pregunta, el medio del arte contemporáneo es una idea torpe. Ahora, usted relaciona el medio y el ambiente, entonces, ¿Me pregunta sobre elementos cuestionables en galerías, academias, museos, y talleres? Tal vez lo cuestionable sea la relación entre el poder en las artes, la jerarquía institucional de la mano del hambre, por ejemplo, crea un arribismo mercenario y un maltrato general manifestado sobretodo en informalidad, y una falta de organización laboral que deriva en cruda explotación.
Su obra nos interesó para ser la portada por su sólido trabajo en la comunicación, sin embargo, hemos podido notar una fuerte referencia a Alemania, en autores como Wittgenstein, Nietzsche. ¿Warum? ¿Por qué?
Creo que se refiere a la germanofilia, que se podría explicar desde una seducción lingüística temprana, por ejemplo, en mi casa encontré, estando en primeros años de bachillerato, un Langescheidt todo regordete, y yo me puse a leerlo ahí sin tener mayor idea, desde aquí alcanzo a verlo en la repisa. No entiendo qué hacía ese diccionario en mi casa. Nadie en mi familia estudió el idioma hasta donde yo sepa. Pero, mi padre y mi madre nutrieron con libros y un par de enciclopedias los anaqueles de la biblioteca de una casa bella que ya Bogotá se tragó. De repente también creo que puede haber un interés desde mi formación escolar. La verdad yo estudié en un colegio criptofranquista, que queda todavía allí mismo en la calle 82 con 9a. Estudiar allí era como una vergüenza exclusiva, como un oso educado que termina reproduciendo un trauma militar religioso. Una institución religiosa que lo ponía a uno a marchar y a rezar todos los días, me da risa nerviosa recordarlo. El caso es que me expulsaron finalmente en 10°, que por revolucionario, y buscando con mi familia encontramos el Guillermo Wickmann, que era un hueco lindo más al norte, como una casa campestre prefabricada, por la carrilera. Tenía una fama pésima pero atractiva. Allí conocí la libertad y también conocí otra sociedad, plural, compleja, que no marchaba ni rezaba, que decía creer en la Utopía. Y también tuve mi primera clase de alemán con un profesor nativo que era muy gracioso. Los alemanes viviendo en Colombia son graciosos por lo general. Eh… bueno… todo esto es para decirle que mi germanofilia es más bien una inquietud por la lengua que empata en una afinidad infinita con Arthur Schopenhauer. Wittgenstein (aunque austriaco), Leibniz, Kant, Arendt, Kittler son pensadores que despiertan todo tipo de inquietudes. Debo ser un humanista algo romántico con inquietudes lingüísticas, siempre me ha gustado la sonoridad, la guturalidad digamos de su idioma. Ni hablar de su gramática. Aquí la gente dice que suena a como si estuvieran disgustados, como si estuvieran bravos… A mi me gusta esa seriedad, me relaciono mucho con esa seriedad. En el fondo es un asunto de humor.
Su trabajo roza la política, ¿Qué es la política para Ud? Le ha tocado nacer en un país donde la política juega un papel fundamental. Pero desde el arte, ¿Cómo la lee Ud? ¿Cómo ve Ud la política?
No sabría responder acertadamente qué es la política, señor Arendt, pero permítame decirle que La Polla Records es política. Esa es buena cópula. Y Evaristo, el cantante, tiene otras buenas coplas sobre el tema. Tiene razón, me ha tocado nacer, pero estoy en desacuerdo sobre ese papel fundamental. O si es fundamental, aquí en Colombia está fundada en el horror trágico, fíjese usted en la monstruoteca caduca que dirige el rumbo del país, apestan porque en gran parte ya están en descomposición. El tema me interesa más desde sus símbolos y procuro trabajar en ocasiones con ese material para desentrañar algún problema que de superficie pase inadvertido. En este momento a la política la veo bipolar, biopolítica e imaginaria. La imagen es uno de los lugares en donde la política se esconde.
Nos parece que su obra se aleja de esa clásica narrativa de la porno-miseria, ecología y otros temas recurrentes del arte contemporáneo en Colombia. Su visión es diferente. ¿De dónde y cómo se formó esa visión?
Debe ser porque mi visión es tan particular como la de cualquiera. Pero, no crea, yo también hago pornomiseria a veces, es simplemente un género de tercermundismo clásico que no podemos olvidar así como así. Solo que no estoy muy concentrado en esa explotación por el momento. Eh… yo no sé si mi visión ya se formó, quisiera creer que se está formando, de hecho, estoy en búsqueda de un mentor, por si sabe de alguna beca, yo podría presentar mis credenciales y currículo a ver si me termino de educar, porque tengo una angustia cognitiva terrible, ¿sabe? ¿no le pasa? Ahora que todo el mundo va un poco llenándose de autoridad para decirles a los otros qué hacer, está muy difícil todo, y el mundo sigue inventándose discursos cada vez más y más barrocos. En todo caso quisiera continuar con mi formación. Aprecio mucho la palabra formación, aunque la mía sea más bien bastante informal, sin duda un lunar en la era de los PhD, la época del capitalismo cognitivo en donde los más resultan repitiendo proclamas de izquierda mientras se comportan como mercenarios. En un momento en que las universidades son la industria exclusiva y masiva de atención y producción de clientes. En fin. Para responder concretamente su pregunta debieron ser los profesores que he alcanzado a tener durante estos años. Los que tuve en la UN cuando hice tres semestres de ciencia política y caí en la paranoia terrible y en la lucha de clases; algunos estadistas, algunos abogados y otros filósofos geniales me enseñaron un par de cosas que ya olvidé de seguro, pero bueno, me acogieron por más esquizofrénico que pareciera mi actuar en aquel entonces.
Estuve muy afectado por estudiar allá de repente a penas al salir del colegio, yo todo intoxicado, entré a politología y eso me transformó en un traidor de clase particular, muy muy torpe, que luego, como le digo, evolucionó a la paranoia tóxica. Una verdadera pena. Yo había decidido estudiar esa carrera (ahora me doy cuenta bien) por un lavado de cerebro aristocrático implantado por esa escuela criptofranquista de cuyo nombre preferiría no acordarme; sin embargo, no pude llegar ni a la mitad de la carrera, debido a esa crisis nerviosa. Bueno. Entonces estudié gramática musical en el Bosque, cerca a la antigua casa en que vivía, y bajo eléctrico, pero el profesor de bajo era un jazzero pedante que me preguntó una vez que si no podía conseguir un cable, que si era que yo no tenía amigos y dejé de ir a su clase, porque efectivamente allá yo no tuve amigos. La gramática musical me interesó, era un mundo que apenas se abría a mis ojos, pero nunca pude solfear bien porque la voz casi no me salía, porque yo estaba un poco muy deprimido en ese momento. Corría el 2001 y las torres gemelas se desplomaron dentro de los televisores de la cafetería. Luego mi madre insistió en que continuara mis estudios de arte. Yo había estudiado en Atena, el estudio de arte de Hernando Gonzalez Arrázola, un neoexpresionista sincelejano genial e incondicional, que me acogió durante mi adolescencia.
Estudié pintura y dibujo varios años estando en el colegio todavía, yo llevaba mis óleos en una caja de madera como todo un jóven Courbet en Usaquén, bastante ridículo, y bueno, para salir de la depresión tóxica de la politología mi madre me aconsejó la UJTL, decía que era muy recomendada. Y me animó, ella siempre me anima a todo, todavía. El día que fui a buscar el formulario de ingreso y el papeleo, me encontré con un amigo del colegio, este man genial, que hace rato no veo, Jorge, un gran pintor, un artista de oficio y talento y con una risa áspera y un poco caricaturesca. Bueno, nada. Me matriculé en la UJTL y terminé allí. Y como le decía, fueron los profesores que tuve allí, los que me ayudaron a mi formación y desde aquí les agradezco y los saludo. Y también a mis colegas, con quienes estudié, mis compañeros y compañeras, junto a ellos aprendí cosas importantes.
También hay que decir que la base de mi (in)formación sin duda la recibí de la televisión. Como yo de pequeño no tenía amigos en el barrio, me la pasé viendo TV casi toda mi infancia. Creo que eso me agringó un tanto, y ese clavo luego casi que pude sacármelo, décadas después, con La Pocha Nostra, con quienes descubrí la disciplina del performance de inmersión junto a Gómez-Peña, el Mexterminator, mi padrino transamericano, quien me enseñó el poco spanglish que puedo hablar.
Para terminar, queremos que nos cuente su versión de la Interferencia, ¿Qué es para Ud interferir? ¿Interfiere Ud en algo?
Yo creo que a quienes les gusta interferir es a ustedes, que tienen un canal de interferencia. Usted podría hacer una tanda diaria de interferencia real, es decir, transmitir ruidos. Fíjese que toda la gente hoy transmite contenidos, nada de eso. Usted que tiene un canal de interferencia, le aconsejo que intente transmitir el mismo vacío del medio.
¿Para mí, interferir? Interferir es, sin ser literales, alguna cosa fuera su contexto haciendo alguna otra. Claro, he interferido. La vida misma pareciera ser un tipo de interferencia en el mundo. En otro ámbito, es posible que mis publicaciones en redes puedan ser interferencias, qué más quisiera yo. Pero, quizás eso sea darle mucha relevancia a la irresponsabilidad de esta incomunicación.
Llega el momento de definirte por un oficio, de escoger una profesión y sabes que lo tuyo es el arte, así que buscas la facultad que mejores posibilidades te ofrece y empiezas, como todo estudiante a sumergirte en tu carrera, buscando que puedas ejercerla, y que con ella puedas sacar adelante tu proyecto de vida o sabes que lo que te apasiona es expresarte y que para ello buscarás cualquier medio; preferiblemente el visual por medio del cual mostrarle al mundo todo el universo que tienes adentro y así mismo de reencontrarte con ese universo y explicar cómo lo percibes, cómo lo interpretas.
Puede que sueñes con la fama, con el dinero, con trascender, con irrumpir con tu arte y ser un referente en la sociedad, o sencillamente con vivir bien de lo que te gusta. Pero ¿Qué tan altas son las posibilidades de que se cumplan estas expectativas?
Para responder a este interrogante realicé una entrevista a Henry Güiza, profesor de artes plásticas de primeros semestres en la universidad javeriana, la cual citaremos con frecuencia en este artículo, además de consultar la opinión de reconocidos expertos del medio artístico.
Sueños y expectativas al iniciar.
El paso a la universidad implica un rompimiento en la dinámica de vida y en el modo como esta se concibe. Y la percepción de un artista sobre su arte no es la excepción. Como el arte tiene muchas variantes preguntamos por los sueños de los estudiantes y cuáles son las áreas de desempeño preferidas; en su entrevista, Henry nos dice: “Los muchachos llegan con dos sueños: Uno, que es ser ese artista exitoso que vive de su arte en cualquier campo, en el campo audiovisual gráfico, de las artes plásticas, en cualquiera de los campos de las artes visuales en general; y otro que es la cuestión de ser famoso, eso agarrado a una cosa también televisiva o vendida por los mass media, una idea muy Holliwodense que es el artista famoso que tiene mucho dinero, que se rodea de las grandes personalidades ya bien sea en el campo de las artes visuales o las artes plásticas, etc. Entonces el estudiante se choca un poco, o más bien la universidad advierte que un poco el trabajo de ser artista es un trabajo de disciplina, de constancia, de trabajo, y que la universidad al final si tu te gradúas no va a garantizar, por supuesto, que seas famoso ni en ese campo y tampoco que el trabajo que haces vaya a tener ese reconocimiento”.
“Los estudiantes tienen cuatro énfasis que es: artes plásticas, expresión plástica, expresión audiovisual y expresión gráfica e historia y filosofía. La que menos tiene acogida es historia y filosofía por lo que dentro de lo mediático es la que le da al artista menos visibilidad. En los nuevos medios como el cine, el video, la fotografía incursiona mucho mejor el estudiante y por ahí es donde se quiere ir, o también por ejemplo, la expresión gráfica, que tiene que ver con este boom de los medios digitales, la ilustración digital, un poco unido también al diseño gráfico, todo lo que tiene que ver con lo digital y el dibujo digital, que se ve sobre todo en expresión gráfica. Y las artes tradicionales, que son las artes plásticas, la pintura, la escultura que tienen ahora un poco menos de acogida entonces, las nuevas tecnologías son las opciones por donde se quiere ir sobre todo”.
Condicionantes del éxito profesional y panorama general del medio artístico.
El éxito es un concepto muy relativo por lo que para hablar de él hay que precisar a qué nos referimos con éxito. El mundo artístico tiene una dinámica particular. Especialmente el arte contemporáneo en donde operan diversos factores. De cómo se logra interactuar con ellos suma posibilidades al éxito y el reconocimiento. Consulté la opinión de tres expertos en el medio, dos han sido docentes. Ellos son Manuel Kalmanovitz, Beatriz López y Diego Aretz. Su opinión es la siguiente.
Para Manuel Kalmanovitz si lo que se busca es exponer y tratar de hacerse un nombre, el artista debe contar con ciertas características; tener una obra distintiva, ser disciplinado en su quehacer, sabiendo navegar las exigencias sociales y teniendo algo de suerte y/o contactos.
Si se busca entender algo que inquieta al artista es más difícil de ver desde afuera pero este proceso es clave para que el arte tenga algún sentido más allá de alimentar la especulación de galeristas y coleccionistas. Muchos estudiantes realizan obras pero estas no son acordes con lo que se muestra en galerías o ferias. Para ellos, la reflexión autobiográfica es importante y no piensan tanto en qué se vende y qué no, lo cual es al mismo tiempo reconfortante y preocupante. Reconfortante porque es un recordatorio de que el arte es demasiado importante como para ser relegado simplemente a un objeto de especulación financiera y preocupante porque así está el mundo y eventualmente tendrán que salir ahí y enfrentarse a eso.
Para Beatriz López pensar en el éxito es complejo porque de entrada el arte es un asunto de tiempo. Cree que la educación de calidad ayuda y hasta puede determinar el lugar donde se comienza la carrera como artista profesionalmente. Pero es básico entender que un artista se hace día a día.
Ella propone unas herramientas básicas que las universidades deberían proponer a los estudiantes para enfrentarse mejor al mundo profesional, por ejemplo, enseñar cómo se hace un portafolio de trabajo, explicar el funcionamiento de una galería comercial, la diferencia entre una institución independiente o una estatal, entre un curador, un galerista, un agente cultural y un comerciante, ya que todos los elementos harían más claro para el estudiante el camino una vez sean profesionales.
Considera preocupante la necesidad de inmediatez de los artistas y al mismo tiempo piensa que debe ser muy claro que cada uno entienda el funcionamiento del mercado porque tampoco se trata de un asunto de inocencia.
Para Diego Aretz, quien ha documentado el medio artístico, el desempeño de un estudiante de artes plásticas está influído, como en cualquier otro campo por los contactos que tenga, antes de entrar a la carrera y después, por la familia, pues qué tanto tenga impacto en el medio y qué tanto tenga también acceso a la gente que colecciona, la gente que tiene galerías y la gente que tiene capital social suficiente para darlo a conocer en un contexto importante.
“Indudablemente yo creo más que nada que lo que permite tener éxito en un artista es la capacidad de entender ese medio y todas las triquiñuelas sociales que se tiene que inventar e identificar para entrar en él, o sea, cómo andar vestido, a quién saludar, a qué amigos correctos tener a qué exposiciones presentarse, a qué premios, qué becas, etc. Entonces yo creo que uno de los medios en los que se evidencia más el colonialismo y el arribismo que nos caracteriza como sociedad, entonces digamos que ese medio lo que premia es eso: a los más arribistas, a los más esnobistas, a los más colonialistas y a los que logran identificarse con las narrativas que se promueven en Nueva York o en otros países; por eso no es raro encontrar que a los artistas a los que mejor les va son los artistas que han pertenecido desde niños a las élites. Los artistas que no, por ejemplo, Wilson Díaz, Liliana Angulo, Edinson Quiñones tienen una trayectoria diferente. Tienen una trayectoria de las bases, de alguna manera. Pero lo que han logrado es identificar claramente a las colecciones, a la semiótica de cada época y lograr colocar, posicionar su obra en ese ductus de importancia semiótica. Ahora, yo diría que, como los lugares de distribución del arte, tanto de distribución material como inmaterial, o sea me refiero a la distribución; galerías o museos o colecciones que son la distribución material, la distribución inmaterial que son revistas, periódicos, etc; no es infinita, no hay espacio para todo el mundo en ese orden, en el orden de que realmente la gente que consume arte contemporáneo, arte visual es muy poca entonces los artistas que logran posicionarse consiguen significar algo para esa élite o ese grupo muy pequeño de personas, pues son relativamente pocos comparados con la cantidad de muchachos y muchachas que estudian arte”.
¿Qué pasa después de que se ha terminado la carrera?
Al finalizar la carrera el arte deja de ser solo un proyecto. Al artista le llega la hora de materializar ese sueño si no lo ha iniciado antes, así que surgen varios aspectos a considerar. No todos los estudiantes se convierten en el artista que expone su obra; otros optan por otras áreas de desempeño, como la docencia o la gestión.
Esto lo percibí con la entrevista a Henry, pero además se evidencia en el pénsum de muchas universidades; en las que la carrera de artes se dicta como licenciatura. Aunque no hay muchos estudios al respecto, extraje del documento: Estado del arte de artes plásticas hecho en 2006 que para el año 2004 se matricularon en Bogotá 1381 personas a una carrera de artes visuales. En ese mismo año se graduaron 173 estudiantes, 40 de ellos en maestrías, 113 en pregrado y 120 en licenciaturas. Si la tendencia se mantuviera durante estos 14 años, tendríamos 1680 docentes. En este mismo documento mencionan que no hay datos precisos sobre la ubicación laboral de los egresados y que para ese mismo año la Universidad Nacional tenía reporte que de 130 estudiantes se desempeñaban como empleados o independientes en el campo de las artes plásticas 80 egresados. 20 de ellos trabajaban en campos diferentes al artístico[1].
Aunque la fecha es algo antigua no se encontraron al respecto, otros estudios que mostraran la situación real de la ocupación del artista promedio. Sin embargo existen dos características propias del arte y la nacionalidad colombiana que son la creatividad y la recursividad, por lo que la misma supervivencia de un artista está garantizada por recursos de la más diversa índole. Muestra de ello es un artículo escrito por Lucas Ospina, en el cual muestra cómo un artista puede vivir de la renta de un inmueble, del producto de una miscelánea, de la renta de un negocio, de la publicidad, entre otras ocupaciones[2].
Sin embargo es más verídica la opinión de los expertos del arte en mencionar que la constancia y una buena estrategia de desarrollo de la carrera del arte permitirán que un artista se desempeñe con éxito en su carrera.
Por último extracto un aparte de la revista Bocas de marzo de 2018[3] donde se entrevista a Nadín Ospina con motivo de su exposición: Híbridos, el cuerpo como imaginario que se realiza en el palacio de bellas artes de Méjico:
“A mí me ha ido muy bien en las subastas internacionales, pero es algo que no me interesa; de lo que desconfío, porque a ese nivel del comercio del arte hay grandes engaños. Es una estrategia absolutamente distorsionadora del trabajo artístico. Mis obras han llegado a unos precios por fuera de la realidad económica de un entorno de coleccionistas que han acompañado mi obra desde los inicios. Un artista no puede convencerse de que por vender una obra por encima de las demás debe subir el precio del resto de la obra. Es halagador, pero es un universo ficticio del que no me interesa ahora participar. He vendido mis obras a colecciones importantes en todo el mundo. En lo único que me puedo dar un inmenso lujo es en poder producir mi obra como yo quiero técnicamente, con los materiales que quiero y haciendo una inversión importante en la producción.
[1] MALDONADO, Alberto y Yolanda López, Estado del arte del área de artes plásticas en Bogotá, DC. Bogotá, 2006.
[2] http://lasillavacia.com/elblogueo/lospina/22116/de-que-vive-un-artista
[3] Revista Bocas, ed. 72 página 72. Editorial El Tiempo.
Por Paola Rubiano.
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Es natural pensar las artes visuales y la producción cultural dominante como un lugar público, de intercambio amplio y de encuentros libres entre individuos de diversas procedencias. Pero en realidad no, estos espacios son poseídos por narrativas privadas y por grupos cerrados que lo que más hacen es controlar el ambiente y distribuir sus miradas sin ningún tipo de programa o control. Repetimos a diario las estructuras tradicionales, el lenguaje formal, el código cerrado y la jerga de grupo son un aliado perfecto para eso.
Hoy hablar de vanguardia es un poco ridículo, es un poco romántico, en realidad el concepto se perdió hace unas décadas y la realidad es que no retorna. Si paseas un poco por las galerías y ves lo que se está presentando, en general son agobios desesperados de artistas que quieren decir algo, que parecen comunicar algo, pero que en realidad no tienen discurso, no tienen argumentos, no dicen nada.
Esa crisis conceptual unida a otras crisis en el arte como los mercados: la sensación de que termina un artBo y fue lo mismo que el anterior, que la única diferencia con una feria del millón o con un Odeón es el lugar en que ocurre, pero que la propuesta es la misma o más bien: la No propuesta es la misma.
En otro lugar hablaba del papel de FLORA y su rol en la educación artística, en la academia y como las voces importantes del arte hoy en día no quieren o no tienen nada que comunicar.
Yo veo cosas como El Validadero o la Escuela Flora y pienso que son síntomas de esa enfermedad postmodernista de no saber para donde ir, son esas desconfianzas hacia la academia, hacia las instituciones, hacia las tradiciones, pero desconfianzas apenas criticas, apenas especulativas, no hay una reflexión honda en verdad.
¿Cómo hablar de lo pertinente? ¿Hay pertinencias?. Los últimos meses los he pasado siendo consultado en comunicaciones por distintos programas políticos incluido al candidato de la Colombia humana, he estado escribiendo para el medio de PAZ llamado PACIFISTA y dirigiendo un programa en Contravía donde invite a casi todas las voces del establecimiento cultural del país, así mismo recorrí los lugares tanto reales como simbólicos del conflicto Colombiano; sus voces, sus historias, sus geografías.
Sin embargo no dejo de pensar que hay en el arte una posibilidad que quizás no la tiene ninguna otra practica humana, es indudablemente un lugar privilegiado para tratar de discernir una ruta, para dibujar una brújula o brújulas, para perderse y para encontrarse. Es con los artistas con los que una sociedad de soñar su futuro. Pero el ecosistema actual: la elitización, el mediocre nihilismo, el anhelo de vida social a través de la práctica artística solo dislocan el papel real de los artistas en la sociedad, ¡Que debe existir! Si los artistas pierden el lugar simbólico que les corresponde en la historia de las ideas, otras cosas toman ese lugar. Si los artistas siguen jugando al club social, la historia los retratará bien como esos snobs mediocres que optaron por el sacrificium intellectus y por perder la ética a consta de un vinito y unos dólares.
A mí no es el arte político (si eso existe), el que más me gusta. A mí el arte que me gusta es el humano, el que puede de-construir, rechazar, desbancar y generar profundos cambios en nuestra manera de ver el mundo.
Si no leemos nuestro tiempo, si no buscamos en la historia, en la economía, en la política, en lo que le sucede al transeúnte, al humano…no descubriremos el papel concreto que podríamos jugar, seguiremos en este juego de falsas sonrisas y obras que ni a nosotros nos importan. Seguiremos de cara al artBO, de cara al museo y de espaldas al país, de espaldas a la realidad.
Juan MEJÍA es la portada actual de Interference, su trayectoria es sin lugar a dudas una de las más solidas en el arte Colombiano, Juan ha podido trasegar del lugar de artista a Curador y de vuelta. Las condiciones materiales de nuestra realidad cotidiana, como la política y la historia, nos envuelven, las subsiguientes reflexiones de nuestro quehacer real y en el caso de Juan de su quehacer simbólico están reflejadas en cada una de sus obras.
Interference-Channel como lo decíamos antes es una casa de ideas, pero no es una casa y tampoco es una idea. Nosotros no somos pornografía editorial como VICE, no somos cultura (política) como Arcadia, no pertenecemos a ninguna rosca, casta o secta. Interferimos, cuando queremos. Editamos, cuando queremos. Hacemos el uso del lenguaje que nos viene en gana. Y precisamente esa anarquía de hacer cualquier cosa es que la que yo llamo Interferir.
Diego Aretz es fundador y editor de Interference Channel.
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Serie Infantilismos 2017 Diego Aretz
¿Cuál es el rol de la academia, el juego de Flora y el momento que nos toca?
Vas por San Felipe, encuentras una escuela y surgen preguntas.
Me cuestiono también por aquella época de Cesar Gaviria y de los liberalizadores de la economía colombiana… la apertura ¿Qué significa la apertura en un contexto de la cultura? ¿Es acaso el mercado de arte una rareza dentro de la dicotomía social colombiana? ¿Qué clase de realidad es esa que marca la época de los artbo, el odeón, la feria del millón, las galerías?
Como muchas prácticas humanas el arte no ha logrado todavía encontrar un rol estable y cómodo dentro de las lógicas de producción y mercado del sistema capitalista. Los artistas han venido trabajando desde visiones esquivas el tema y rápidamente aparecen llenos de contradicciones cuando las abordan.
Podría detenerme un poco en esto, pero quiero llegar a la educación ¿Cómo surge una línea de lógica cuando se enseñan las prácticas artísticas plásticas como un ejercicio harto poético de musas privilegiadas, talentosas, señaladas? Pero la producción es fría, maquinal; la negociación es explícita, desafiante de toda moral… las confusiones del comercio.
Podríamos callarnos y hacer como si nada pasara, continuar con las contradicciones sin ni siquiera tratar de elucidarlas, de enfrentarlas, de afrontarlas.
Para los comerciantes es más fácil, para ellos es un negocio claro; en los negocios no hay contradicciones, hay engaños, doble moral, especulación y trampa pero nada de eso es problemático, ese es su oficio.
Pero para muchos que nos acercamos a las artes con otras pasiones y otros intereses, este escenario no es otra cosa que triste ¿No era acaso a través de la “producción artística” que se iba a criticar lo inmoral, o lo moral? ¿No era acaso a través de las artes que se iban a desestimar, desprestigiar o criticar las instituciones, las élites, las ideas y las personas que detentaran esos poderes? Es fácil llamarme idealista pero difícil aceptar que cuando estudiábamos artes o humanidades, lo hacíamos con la firme convicción de que no queríamos pertenecer a las filas de la producción, de la técnica sin ideología, del violento sistema.
Lo que llamamos medio de arte, nos ha llevado a una moral de grupo falaz y a un pensamiento de grupo vacío de autocrítica. Nadie quiere decir nada, todos tenemos opiniones pero nuestra comunal censura nos lleva simplemente a callar, a ser más idiotas y más infantiles de lo que podríamos ser.
Es una práctica muy extendida en las sociedades cerradas y en el pensamiento de grupo: se sacrifica la opinión para pertenecer simbólicamente y lograr recibir los beneficios que trae pertenecer a un grupo, una élite o un medio social profesional.
Pero no he resuelto la contradicción ¿Acaso se puede resolver la contradicción en un mundo de activos y pasivos, de becados y no becados? ¿Acaso el mercado de arte es algo que si está ahí? ¿Qué es lo importante, lo necesario, a lo cual nos debemos adaptar los artistas, los curadores y todos los interesados en participar? Do not take part!
Yo no creo, no creo que esa falaz realidad sea a la que nos debamos adaptar, en cambio creo que podemos intentar un pequeño cambio, una verdadera contra cultura.
Podríamos quizás exigirle a las instituciones, a los coleccionistas y a los que estén del lado de la conciliación con el mercado, una parte primero más justa, un fairplay. Pero sobre todo un ecosistema donde la crítica, el pensamiento y la divergencia sean tomados enserio como valores de un medio saludable e interesante.
El otro juego es pobre y aburrido, trabajan el artista y el curador por incentivos, por becas, por vender obra o por no caer mal, el curador se censura hasta donde conviene y el mercader se ríe de la debilidad de ambos… y hace fiestas.
Con esto no solo viene un monopolio económico del medio donde los que mandan la parada son unas pocas familias; los Gaviria, los Neme, los Gutiérrez… gente bella y pudiente. Pero lo peor es el monopolio narrativo que se forma, son solo unos pocos los que marcan el paso de lo posible, de lo aceptable, de lo conveniente. Al monopolizar las narrativas terminan monopolizando dos cosas trascendentales: La historia y la ideología establecida.
Al parecer la idea es que el arte no necesariamente tiene que ser “político”, sino que tiene que ser “no político” para gustar a todos… a todos los que no les gusta un arte crítico.
Llegamos a esta infantilización y podemos salir, somos una minoría sin mayores pretensiones… y quizás somos la minoría más pretenciosa. Hay caminos de salida, el más simple es aprender a denunciar, denunciar la corrupción; corrupción moral, bajeza intelectual y por supuesto corrupción económica, ese es quizás el gran paso. El segundo es una reflexión sobre nuestro tiempo, nuestro trabajo y nuestra dignidad; no importarnos llegar a ser un Botero, una Ana Mercedes, una Doris… no importarnos ser profesores, “intentadores” o “perdedores” dentro de esa lógica manida y patética pues así, con el paso del tiempo nos quedará el placer de que no nos metieron los dedos a la boca.
—Yo no pertenezco al kínder de Roca.
Diego Aretz
Editor Interference Channel, director de cultura para Contravia, curador y periodista.
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